Art Nouveau
- Jeanny Garcia
- 1 set 2017
- Tempo di lettura: 12 min
ART NOUVEAU
El nombre "Art Nouveau" es el complejo fenómeno del estilo, caracterizado por una línea suelta y sinuosa, desarrollada con fisionomías particulares en Europa y Estados Unidos en 1880, para declinar en la primera década del siglo XX. El movimiento, que abarca principalmente la arquitectura y las artes decorativas, recupera la elegancia de las formas de la naturaleza, del arte oriental y gótico, en respuesta a la escasez de sabor provocada por la difusión de la producción industrial.
premisa
En los diversos países en que se desarrolla, el art nouveau tiene diferentes denominaciones y personajes: art nouveau (pero también Modern Style, coem en Gran Bretaña) en Francia y Bélgica, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria, Modernismo en España, Liberty en Italia.
La premisa art nouveau se remonta a mediados del siglo XIX, cuando - en la Exposición Internacional celebrada en Londres en 1851 - el crítico John Ruskin toma una posición contra el nivel cualitativo de la producción industrial, con la esperanza de un retorno a la artesanía. Las sugerencias de Ruskin son recogidas y puestas en práctica por William Morris, fundador de Morris & Co. que tiene como objetivo mejorar la calidad de los productos para las clases media-baja. En este ejemplo, muchas sociedades similares emergen en el Movimiento de Arte y Artesanía en la década de 1980, para dar forma concreta a la aspiración generalizada a la funcionalidad y el rigor. El movimiento también pertenece al siglo Guild, fundado por Arthur Mackmurdo, autor del título de una publicación titulada Las iglesias de Londres (1883), considerado el "incunabulum" del art nouveau. Mientras tanto, en Francia, Léon de Laborde y Eugène Viollet-le-Duc expresan ideas similares a las de Ruskin y Morris al volver a la artesanía y la necesidad de realzar las artes decorativas en el sentido más amplio del término.
La contribución fundamental de los debates de mediados del siglo xix a la génesis del art nouveau es el redescubrimiento de la Edad Media y la consecuente revaloración del estilo gótico, en la que la crítica vertical reconoce muchos críticos el origen de la línea "flamboyante" o "latigazo". Los artistas art nouveau se inspiran en la vena decorativa inherente a los estilos históricos de sus países de origen (en Francia, por ejemplo, además del gótico se redescubre el rococó) y sobre todo en el arte oriental, del que aprecian las formas al mismo tiempo simples y seductor.
El fenómeno del japanisme ha surgido en los últimos años : la misma designación art nouveau nació del nombre de la tienda-galería del artista parisino antiguo Sigfried Bing, en el que las obras de los artistas modernos se exhiben y se venden junto con objetos de " Artesanía japonesa.
La difusión del nuevo estilo se ve facilitada por la circulación de revistas, incluyendo "The Studio" en Inglaterra, "Jugend" en Munich (de la que el nombre Jugendstil dado en Alemania al Art Nouveau), "Pan" en Berlín y "Ver sacrum En Viena. Estas publicaciones, que a menudo reciben contribuciones de poetas y escritores de vanguardia, tienen un inconfundible diseño gráfico art nouveau. También se observa la afinidad de los artistas art nouveau con la literatura de finales de siglo : basta con pensar en las citas de los poetas simbólicos que Emile Gallé inserta en sus creaciones de madera y vidrio o en la perfecta combinación de inspiración entre el texto de Salomé Oscar Wilde e ilustraciones del joven genio de los gráficos ingleses, Aubrey Beardsley.
El art nouveau toma las conclusiones del debate sobre la revalorización de las artes menores que se habían abierto a mediados del siglo XIX, redimiendo por completo las llamadas artes aplicadas por la posición subordinada en la que habían estado durante más de dos siglos.
La aspiración del artista art nouveau para integrar las diversas artes es especialmente evidente en el caso de los edificios, diseñados como un unicum de arquitectura y decoración . La exactitud con la que estos artistas multifacéticos realizan sus obras y la sofisticación de los materiales utilizados pronto transformarán el art nouveau en arte de élite, destinado a una clase rica, a pesar de la intención social de sus precursores.
Bélgica
Bruselas es la primera ciudad de Europa continental donde se difunde el nuevo idioma de Inglaterra.En los años ochenta, la capital belga adquirió un papel destacado en la vida artística europea, gracias en particular al trabajo de pintores simbólicos reunidos en la Société des Vingt. Desde 1892, Société ha comenzado a admitir sus exposiciones de arte decorativo, reconociendo su igual dignidad con otras formas de expresión artística. Es en este clima que funciona el mayor exponente del belga art nouveau, el arquitecto Victor Horta.
Fuertemente inspirado por las enseñanzas de Viollet-le-Duc ( Entretiens sur l'architecture , 1872) y las obras de Gustave Eiffel (toda la torre de hierro construida para la Exposición de París en 1889) Horta revoluciona la tipología de la casa d 'una residencia noble, construyendo una serie de edificios en Bruselas donde el metal del cojinete se deja a la vista dentro y fuera. El primero de estos logros es el Maison Tassel (1892), en el que las líneas asimétricas "pop-up" de los adornos art nouveau se expanden a la tercera dimensión. Esto es particularmente evidente en la escalera de entrada, en la que las bóvedas de cristal decoradas con columnas de hierro crean un ambiente aireado y animado. El siguiente paso de Horta es la construcción del Hotel Solvay (1895), donde el uso del hierro es también predominante en la fachada, los montantes y las balaustradas de las ventanas. El interior es estudiado al más mínimo detalle, según un concepto unificado de arquitectura, decoración y decoración. Destaca también la luz que proviene de las grandes ventanas y claraboyas que sobresalen de la rampa de la escalera, así como de las numerosas lámparas en forma de plantas que ocultan las fuentes de luz artificial. La carrera de Horta culmina en la construcción de un gran centro de agregación para la clase trabajadora, Maison du Peuple: un evento aislado en la arquitectura Art Nouveau, destinado esencialmente a la clase burguesa. El corazón del edificio - hoy en día ya no existe - era el auditorio, cuya estructura metálica se dejaba ver y el exterior tenía el contraste entre la superficie vidriada y la estructura metálica: el intento de Horta aquí simplificar, hacer más lineal y, al mismo tiempo, llevar a las dimensiones monumentales los resultados de investigaciones anteriores.
Otra figura importante en el belga art nouveau es Henry van de Velde, que se dedica principalmente al diseño de muebles y diseño gráfico. Van de Velde analiza las ideas artísticas procedentes de Inglaterra y reelabora los elementos utilizando esa línea abstracta y dinámica que también es típica del arte de Horta. El uso de este tipo de línea encuentra su máxima expresión en el cartel Tropon , obra maestra de las carteleras art nouveau. Al igual que Horta, van de Velde comienza con un motivo bidimensional también en la realización de obras tridimensionales como muebles. Su principal objetivo es simbólico-ornamental, como puede verse en el famoso escritorio de 1898, rodeado por una elegante banda decorativa que la hace inaplicable.
Francia
Los ejemplos de Horta tienen una influencia significativa en el arquitecto más importante del arte nouveau francés, Héctor Guimard, que, entre los siglos XIX y XX, encarna una especie de arquitectura en la que el componente decorativo es dominante.
En una de sus primeras obras, el Castel Béranger en París (1894), Guimard experimenta una especie de interior similar al de Horta, con amplio uso de hierro decorado y vidrio. La parte más interesante de Castel es la puerta de entrada, donde el hierro forjado crea un juego de líneas de curva libre y dinámica.
Pero Guimard es conocido por dejar un grabado art nouveau en el mismo corazón de París, con la construcción de los quioscos y las entradas de las estaciones centrales del metro (1900). Aquí el arquitecto vuelve a usar el hierro para formar formas "orgánicas", como las ramificaciones metálicas "orquídeas", de las que surgen las lámparas eléctricas.
En Francia, las artes decorativas art nouveau tienen su centro en Nancy, donde nace y trabaja Émile Gallé (1846-1904), hijo de un artesano de cristal y artista de cerámica. En casa, Gallé estudió filosofía y botánica, pero en 1872 decidió ir a Londres donde estudió las colecciones de arte aplicadas del Museo Victoria y Albert, permaneciendo particularmente impresionado por las orientales.
De vuelta en Nancy, Gallé se dedica a la creación de muebles y gafas que personalmente le importa hasta el final del proceso ejecutivo.
Los muebles galés, concebidos como objetos de lujo, en madera preciosa y formas elegantes y estilizadas, están decorados con motivos vegetales, heredados de su cultura botánica. Sus creaciones a menudo incluyen citas poéticas, dibujadas por autores contemporáneos como Baudelaire, Rimbaud y Mallarmé, que a su vez son entusiastas y coleccionistas de sus obras.
En la última década del siglo Gallé comenzó a reunir una verdadera escuela, que incluye artistas como Eugène Vallin, Louis Majorelle y Víctor Prouvé que producen muebles que se caracterizan por la misma exuberancia ornamental presente en los muebles del maestro. En París, sin embargo, a la sombra de la galería Bing, se desarrolla una corriente que produce un diseño más funcional y menos decorativo, cuyos exponentes más importantes son Eugène Gaillard, Georges de Feure y Edward Colonna.
En el arte del vidrio, Gallé introduce muchas innovaciones, casi todas inspiradas en las técnicas orientales: el cristal de lune d'oro y el esmalte. Los objetos de vidrio dejados por su laboratorio, hechos a mano en formas imaginativas de plantas, son considerados y recogidos como obras de arte reales.Gracias a Gallé, Nancy se convierte en el centro del negocio del vidrio, donde los hermanos August y Antonin Daum también están trabajando, genio experimentadores de nuevas técnicas.
Otro gran vidriero es René Lalique, que aplica los procesos de elaboración industrial a la producción de sus artículos de lujo más buscados, en particular las botellas de perfume. Pero la fama de Lalique está principalmente relacionada con la revolución que se introduce en el campo de la joyería, haciendo hincapié en el valor de crear y perfeccionar la joya con respecto a la misma preciosidad de las piedras que la componen. Las joyas Lalique, a menudo hechas de piedras semipreciosas, son verdaderas obras maestras de joyería y cuentan con un sofisticado repertorio de temas vegetales, animales, poéticos y mitológicos que son de éxito inmediato en los triunfos más elegantes y repetidos en exposiciones internacional.
Inglaterra
El art nouveau inglés tiene su principal exponente en Charles Rennie Mackintosh, quien vive y trabaja en Glasgow, el jefe de un grupo activo de artistas y decoradores.
El trabajo más significativo de Mackintosh es la construcción de la Escuela de Arte de Glasgow (1897), donde la fantasía decorativa es capaz de conciliar con la funcionalidad. Es un edificio compacto, en cuya unidad se resuelve el juego de proyecciones y huecos. En la aparente simplicidad de la fachada principal, que tiene grandes ventanales para iluminar los estudios de los artistas, una ligera asimetría se desliza en el elemento de perturbación, dando dinamismo al prospecto sin alterar el equilibrio. La mayoría de los críticos han observado una fuerte influencia oriental, particularmente japonesa, en la obra de Mackintosh, que se puede encontrar, por ejemplo, en la compleja carpintería de madera de la biblioteca de la Escuela de Arte.
En el nivel ejecutivo, la mayoría de los artistas ingleses que se unen al art nouveau sufren la influencia del Movimiento de Arte y Artesanía, desarrollando la variación más sobria y medida en el hogar del nuevo estilo. Esta orientación es particularmente evidente en el diseño de interiores, donde Mackintosh y los artistas de la Escuela de Glasgow todavía se distinguen. Los muebles de Mackintosh diseñados para el interior son estilizados, reducidos a incluso formas geométricas; las sillas tienen espaldas muy altas, de repente rotas por elementos curvilíneos o tiras ortogonalmente tejidas. Otra característica de los muebles de Mackintosh es también el rechazo del color y del grano de madera natural, siempre ocultos por capas uniformemente coloreadas de negro y raramente claras.
España
Antoni Gaudí y Cornet, arquitecto de arte moderno más brillante, vive y trabaja en Barcelona. Su formación está marcada por el estudio de la arquitectura gótica de la región catalana y el conocimiento de los escritos de Viollet-le-Duc y Ruskin que le animan a diseñar a partir de la reelaboración de formas góticas.
Tales influencias son evidentes ya en el primer trabajo que realiza Gaudí para su patrono en Barcelona, Don Eusebio Güell, a principios de los años ochenta. El Palau Güell presenta una serie de entornos interconectados que convergen en el salón central, cubierto por una cúpula descansando sobre arcos parabólicos. Incluso en este trabajo, como en las casas de Horta, son visibles las estructuras de hierro, pero la profusión de materiales preciosos da al entorno un tono brillante.
Desde 1900, durante unos quince años, Gaudí trabaja en el Parco Güell donde establece una correspondencia entre la forma natural y la forma arquitectónica - árboles / columnas, flores / ornamentos - transformando la naturaleza en un elemento decorativo. El detalle más asombroso es la balaustrada de la terraza que domina el parque: construida para servir de asiento, de forma ondulada y totalmente cubierta de tejas policarbonadas, brillando al sol.
En 1905-1907 la renovación de un edificio preexistente, la Casa Battló (siempre en Barcelona), se remonta a 1905-1907, en la que Gaudí utiliza un amplio espectro de colores y líneas curvas, tanto en la fachada como en el tejado, ondulados y culminando en una torreta fantástica .
Al mismo tiempo se dedica a la construcción de la Casa Milá, que de inmediato se denomina La Pedrera, cantera de piedra, por la forma rocosa que le da el arquitecto.
La obra más famosa de Gaudí es sin duda la iglesia de la Sagrada Familia, cuyo arquitecto sólo realiza la fachada del transepto. Incluso en este trabajo el artista tiende a la forma orgánica de una agregación de rocas, a partir de la reelaboración del prototipo de la fachada gótica con torres laterales. La Sagrada Familia permanecerá inacabada debido a la muerte de Gaudí en 1926.
Austria
La secesión vienesa nació en 1897, en reacción a la academia austríaca, y está animada por las personalidades del pintor Gustav Klimt, el arquitecto Otto Wagner y los jóvenes que salen de su escuela, entre ellos Josef Hoffmann y Josef Maria Olbrich. Los exponentes de la Secesión se acercan al art nouveau según la sobriedad de la variante inglesa, renunciando al decorativismo que se desarrolla en Bélgica y Francia.
El precursor del arte nuevo en Viena es Otto Wagner que desde 1898 niega la práctica de restaurar los estilos históricos, típicos de su generación, para adherirse a la secesión defendida por sus dos estudiantes. Las principales obras de Wagner son la fachada del Majolikahaus (1898), enteramente cubierta de azulejos en mayólica y el Postsparkassenamt (1906), la oficina de correos de la Caja de Ahorros de Viena, con una cubierta de vidrio sostenida por pilares delgados.
Josef Maria Olbrich se inspira en la sofisticación y simplicidad del arte japonés, y sobre todo en la sobriedad defendida por Morris & Co., que se basará en el Wiener Werkstätte de Austria. Las obras principales de Olbrich son el Pabellón de la exposición de Wiener Sezession (1897), un edificio compacto que culmina en una elegante cúpula de hojas de metal (tal vez inspirado en el boceto de Klimt) y la construcción del distrito de artistas en Darmstadt.
La obra arquitectónica que concluye el estilo secesionista vienés y el preludio de soluciones futuras es el Palais Stoclet, construido entre 1905 y 1911 por Josef Hoffmann en Bruselas, donde sólo diez años antes había triunfado sobre el "florista" art nouveau de Horta. La única concesión decorativa en Palais Stoclet es la torreta excéntrica, pero el edificio y sus muebles se caracterizan por la sobriedad y la funcionalidad.
Italia
Italia se está quedando atrás de las novedades del Art Nouveau (a menudo denominado estilo Liberty o Floreal), acogiendo propuestas europeas según una variante que favorece la pompa y la exuberancia decorativa. La libertad italiana se considera por lo tanto un fenómeno marginal y provincial en el extranjero.
El año de la adhesión de Italia a los casos art nouveau es 1902, que ve la organización de la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Turín. El ganador del concurso para la construcción de la exposición es Raimondo D'Aronco, un artista ecléctico influenciado por Austria Olbrich. Su imaginativa y magnífica reelaboración de la arquitectura secesionista reúne un consenso unánime en el hogar, pero también muchas críticas de los expositores extranjeros.
Además de Turín, un importante centro de desarrollo de la Libertad es Milán, donde el arquitecto Giuseppe Sommaruga diseña el Palacio Castiglioni, tratando de armonizar el nuevo estilo con la fisonomía arquitectónica de Milán. Otros polos de la extensión floral son Palermo, donde el arquitecto Ernesto Basile realizó en 1898 el Hotel Villa Igea, pero también Florencia, Bolonia, Venecia y Treviso.
En cuanto a las artes decorativas, la firma italiana principal es el Milanese C. Bugatti & C. que produce extraordinarios muebles de inspiración exótica (árabe, egipcio), hechos con la adición de materiales suntuosos (madera tallada, metales, dedal y terciopelo) de gran efecto.
Los Estados Unidos
Como parte del art nouveau son el debut de Louis Sullivan , la personalidad más innovadora del grupo de arquitectos que operan en Chicago.
El propósito de Sullivan es mantener un equilibrio perfecto entre la ornamentación y la simplificación de la estructura. El primer gran logro de este artista es el Teatro del Edificio Auditorio en Chicago (1886), en el que los portadores de metal asumen formas evocadoras del mundo vegetal.
Desde los años noventa, la estructura arquitectónica de los edificios de Sullivan se simplifica y se aclara, mientras que la vitalidad estalla en la ornamentación, a menudo en metal. En los pisos superiores, la alineación racional de las ventanas parece ser un preludio de las direcciones arquitectónicas del siglo XX, mientras que en los dos pisos inferiores el brillo de la decoración de hierro , formado por elementos abstractos entrelazados con otros naturales naturalistas, sigue siendo totalmente art nouveau.
El gran artista de Art Nouveau del Art Nouveau American es Louis Comfort Tiffany, descendiente de la familia de un orfebre, fundador de Tiffany Glass & Decoration Company, encargado de decorar y decorar las residencias más exclusivas de Estados Unidos, incluida la Casa Blanca. La investigación de Tiffany está dirigida a decorar la superficie del vidrio mediante procesos químicos: el resultado más feliz son los refinados cristales falsos que, a diferencia de los vasos Nancy School, rechazan el diseño orgánico favoreciendo el plástico moldeado con la decoración abstracta y estilizada .
tomado de: http://www.oilproject.org/lezione/caratteristiche-art-nouveau-riassunto-archittettura-19438.html
http://www.senses-artnouveau.com/art_nouveau.php?page=1
http://www.theartstory.org/movement-art-nouveau.htm
ART NOUVEAU (EXPLICACION COMPLETA)
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